Православная классическая гимназия (ПКГ) "Радонеж" (Москва, Ясенево) - негосударственная средняя общеобразовательная школа Православная классическая гимназия (ПКГ) "Радонеж" (Москва, Ясенево) - негосударственная средняя общеобразовательная школа
Директор:
Тишков Михаил Борисович
Учредитель:
Общество "Радонеж"
117574, Москва, пр-д Одоевского, 13
Тел./факс: (495) 423-51-22
info@gymnasia-radonezh.ru

МХК. 8 класс

 




24.03
   
Агафонов Фёдор 2?
Алексеев Василий ?
Бондаренко Александра н
Бригаденко Люба 5
Горькова Татьяна 5
Менькова Анна 5
Момот Николай ?
Никитин Андрей 5
Пачкай Даша 2
Примачев Иван 5
Попов Илья 5
Путилина Юлия 5
Серкова Анна 5
Флоренская Варя 2
Цветкова Диана ?


Домашнее задание на 31 марта. 

1. Творческое задание.

В любой технике - коллаж, живопись, компьютерная графика, фотография - сделать  "голландский натюрморт". Либо  «stilleven» («тихая жизнь»), либо «Суета сует» (vanitas, «учёный», или «философский» натюрморт).

2. Принести атрибуты натюрморта "Vanitas" в класс. 

Три группы будут создавать и интерпетировать свой натюрморт. 

Первая группа - Аня Менькова, Вася, Андрей, Юля, Илья, Ваня.

Вторая группа - Федя, Аня Серкова, Варя, Таня, Коля, Саша.

Третья группа - Люба и Диана. 

Домашнее задание на 24 марта. 

ПОДГОТОВИТЬ, РАСПЕЧАТАТЬ, ПРИНЕСТИ ТЕКСТ, ПРИСЛАТЬ ПРЕЗЕНТАЦИЮ И РАССКАЗАТЬ ОБ ОДНОЙ РАБОТЕ КАРАВАДЖО:
1. АГАФОНОВ ФЕДОР - «Обращение Савла» (Церковь Санта Мария дель Пополо, Рим);
2. АЛЕКСЕЕВ ВАСИЛИЙ - «Положение во гроб» (Музеи Ватикана, Ватикан);
3. БОНДАРЕНКО АЛЕКСАНДРА - «Юноша с корзиной фруктов» (Галерея Боргезе, Рим);
4. БРИГАДЕНКО ЛЮБОВЬ - «Св. Франциск» (Национальная Галерея в Палаццо Барберини, Рим);
5. ГОРЬКОВА ТАТЬЯНА - «Мученичество св. Урсулы» (Коллекция Банка Интеза Санпаоло, Неаполь).
6. ПАЧКАЙ ДАРЬЯ - «Поклонение пастухов»
7. МЕНЬКОВА АННА - "Нарцисс"
8. МОМОТ НИКОЛАЙ - «Воскрешение Лазаря» (1609, Музей Мессина),
9. НИКИТИН АНДРЕЙ - «Распятие святого Петра»
10. ПОПОВ ИЛЬЯ - «Святая Екатерина Александрийская!
11. ПРИМАЧЕВ ИВАН - "Усекновение главы Иоанна Крестителя" (1608)
12. ПУТИЛИНА ЮЛИЯ - «Юдифь и Олоферн»
13. СЕРКОВА АННА - «Кающаяся Магдалина»
14. ФЛОРЕНСКАЯ ВАРВАРА - «Призвание апостола Матфея»
15. ЦВЕТКОВА ДИАНА - «Богоматерь Лорето».

 

Домашнее задание на 17 марта. 

«...Но пред красой и зданья, и фасада
Померкли и фонтан, и мрамор, и ограда.
В орнаменте витом увидишь тут и там
Победоносный шлем и вазы фимиам,
Колонны, капитель, пилястры и аркады
Увидишь всюду ты, куда не кинешь взгляды,
Амуры, вензеля, вплетенные тайком,
И головы ягнят, увитые шнурком,
И статую найдешь в великолепной нише,
В узорах и резьбе карниз под самой крышей...»
Так описывал свои впечатления от архитектуры барокко французский поэт 17 века Жорж де Сюдери. Что же представляет собой этот стиль, стремящийся удивить, восхитить и даже ошеломить зрителя?
Существует несколько версий происхождения термина:
1. от итальянского "baruecco" - жемчужина неправильной формы;
2. "baroco" - одна из форм схоластического (религиозно-догматического) силлогизма (рассуждения, в котором две посылки объединены общим термином);
3. от итальянского barocco - причудливый, странный;
В 18 веке термин приобретает значение отрицательной эстетической оценки. Барочным обозначалось все неестественное, произвольное, преувеличенное.
В 50-е годы 19 века начинается рассмотрение барокко как исторического стиля, закономерного этапа в развитии искусства позднего возрождения.
В 80-е годы 19 века происходит настоящее "открытие" барокко: за ним признали право на существование как особого художественного явления.
В 20-е годы 20 века происходит кризис капиталистического мировоззрения. Пробуждается интерес к местным, национальным вариантам барокко. Дается периодизация, устанавливаются исторические границы.
Итак, барокко - стиль, главенствовавший в архитектуре и искусстве европейских стран конца XVI - середины XVIII в.
Эпоха барокко - одна из наиболее интересных эпох в истории мировой культуры. Интересна она своим драматизмом, интенсивностью, динамикой, контрастностью и, в то же время, гармонией, цельностью, единством. Для нашего времени - смутного, неопределенного, гипердинамичного, ищущего стабильности и упорядоченности, - эпоха барокко необычайно близка по духу.
Родина барокко - Италия, где утверждение нового стиля означало конец Ренессанса с его гармоническим мировосприятием, верой в безграничные возможности человеческого разума и упорядоченность вселенского бытия.
В разное время в термин "барокко" вкладывалось разное содержание. Поначалу он носил оскорбительный оттенок, подразумевая нелепицу, абсурд (возможно, он восходит к португальскому слову, означающему уродливую жемчужину). В настоящее время он употребителен в искусствоведческих трудах для определения стиля, господствовавшего в европейском искусстве между маньеризмом и рококо, то есть приблизительно с 1600 г. до начала 18 века. От маньеризма Барокко искусство унаследовало динамичность и глубокую эмоциональность, а от Ренессанса - основательность и пышность: черты обоих стилей гармонично слились в одно единое целое.
Барокко, тяготевшее к торжественному «большому стилю», в то же время отразило представления о сложности и многообразии мира, что отвечало новой картине мироздания - изменчивой и конфликтной, где отживающее и рождающееся находятся в постоянном противоборстве, а человек с его страстями, запутанным, сложным внутренним миром часто оказывается во власти иррациональных сил.
Не случайно барокко уходит от ясности и простоты, предпочитая геометрической строгости, прямой линии изысканную кривую; упорядоченному движению - вихреобразное; локальному цвету - мерцающие, меняющиеся под воздействием светотени золотистые тона или яркие, праздничные, неожиданно дисгармоничные в своем победном звучании.
• масштабность, контрастность, обилие декора,
• напряжённость, динамичность образов, аффектация, стремление к величию и пышности,
• стремление к иллюзорным эффектам в организации пространства интерьера (увеличение размеров помещений с помощью зеркал, высоты залов благодаря живописным плафонам, имеющим сложное решение перспективы);
• совмещение реальности и иллюзии, слияние искусств (городские и дворцово-парковые ансамбли, опера, культовая музыка, оратория);
• одновременно - тенденция к автономии отдельных жанров (кончерто гроссо, соната, сюита в инструментальной музыке).
Самые характерные черты барокко - броская цветистость и динамичность - соответствовали самоуверенности и апломбу вновь обретшей силу римской католической церкви. За пределами Италии стиль барокко пустил самые глубокие корни в католических странах, а, например, в Британии его влияние было незначительным.
Барокко в архитектуре
Для архитектуры барокко (Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, Б.Ф. Растрелли в России) характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм.
• Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, волюты, большое число раскреповок, лучковые фасады с раскреповкой в середине, рустованные колонны и пилястры.
• Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусны, как у собора Св. Петра в Риме.
• Характерные детали барокко - теламоны, кариатиды, маскароны.
Волюта (итал. voluta - завиток, спираль), архитектурный мотив в форме спиралевидного завитка с кружком («глазком») в центре, составная часть ионической капители, входит также в композицию коринфской и композитной капителей. Форму волюты иногда имеют архитектурные детали, служащие для связи частей здания, а также консоли карнизов, обрамления порталов, дверей, окон (главным образом в архитектуре позднего ренессанса и барокко).
Преобладающие и модные цвета: приглушенные пастельные тона; красный, розовый, белый, голубой с желтым акцентом.
Линии: причудливый выпукло-вогнутый асимметричный рисунок; в формах полуокружность, прямоугольник, овал; вертикальные линии колонн; выраженное горизонтальное членение.
Формы: сводчатые, куполообразные, прямоугольные; башни, балконы, эркеры.
Конструкции: контрастные, напряженные, динамичные; вычурные по фасаду и вместе с тем массивные и устойчивые.
Характерные элементы интерьера: стремление к величию и пышности; массивные парадные лестницы; колонны, пилястры, скульптуры, лепнина и роспись, резной орнамент; взаимосвязь элементов оформления.
Благодаря причудливой пластике фасадов, сложным криволинейным планам и очертаниям дворцы и церкви барокко приобретают живописность и динамичность. Они как бы вливаются в окружающее пространство.
Эпоха барокко отвергает традиции и авторитеты как суеверия и предрассудки.
«Истинно все то, что «ясно и отчётливо» мыслится или имеет математическое выражение» - заявляет философ Декарт. Поэтому барокко - это ещё век Разума и Просвещения.
В Версале появляется первый европейский парк, где идея леса выражена предельно математически: липовые аллеи и каналы словно вычерчены по линейке, а деревья подстрижены на манер стереометрических фигур. Впервые одетые в униформу армии эпохи барокко большое внимание уделяют «муштре» - геометрической правильности построений на плацу.
Скульптура барокко.
Одну из лучших своих композиций "Экстаз Святой Терезы" (1645-1652 гг.) Бернини создал, будучи уже зрелым мастером.
В ней автор изобразил мистическое видение Святой Терезы Авильской, в котором к ней является ангел с огненной стрелой в руке, чтобы пронзить сердце Терезы великой любовью к Богу.
Беломраморная скульптура находится в окружении колоннады из цветного мрамора, а фоном стали позолоченные лучи, символизирующие Божественный свет.
Шедевр Л. Бернини - огромный (высотой 29 м.) балдахин (киворий) в соборе Святого Петра. Киворий (балдахин) расположен в подкупольном пространстве над главным алтарём на четырёх витых колоннах, на которых стоят статуи ангелов.
Величайшее архитектурное творение Бернини - площадь перед собором Св. Петра в Риме. 1657-1663 гг.
Барокко в живописи.
Изобразительное искусство барокко наиболее ярко и полно представлено декоративной монументальной живописью, которая, расширяя границы реального пространства, подчеркивала идею безграничности мира.
Главные ее темы - торжество Божественной справедливости, античные аллегорические сюжеты, прославление воинских побед, утверждение новых законов, идея неограниченной власти государства и церкви.
Живопись барокко характеризуется динамизмом композиций, «плоскостью» и пышностью форм, аристократичностью и незаурядностью сюжетов. Преобладают виртуозные декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты, предназначенные для украшения интерьеров и подчёркивающие привилегированность общественного положения человека. Создаются парадные портреты, предназначенные для украшения интерьеров.
Идеализация образов сочетается в них с бурной динамикой, неожиданными композиционными и оптическими эффектами, реальность - с фантазией, религиозная аффектация - с подчёркнутой чувственностью, а нередко и с острой натуральностью и материальностью форм, граничащей с иллюзорностью. В произведениях искусства барокко порой включаются реальные предметы и материалы (статуи с реальными волосами и зубами, капеллы из костей и т. п.).
В живописи большое значение приобретают эмоциональное, ритмическое и колористическое единство целого, часто непринуждённая свобода мазка, в скульптуре - живописная текучесть формы, ощущение изменчивости становления образа, богатство аспектов и впечатлений. Для итальянской живописи конца 16 века характерны неестественность и стилевая неопределённость.
Художники барокко видели главную задачу в передаче противоречивых чувств и переживаний, тончайших психологических оттенков человеческой души.
Яркий пример - творчество Рубенса и Караваджо.
Барокко в литературе.
«...Среди двора фонтан, наполненный до края,
Кристальная струя звенит, не угасая
На влажный алебастр, спадая с вышины
Есть сто чудовищ там - фонтана украшенье -
Необычайно тел причудливых сплетенье,
Как ваза, светлый круг бассейна вознесен,
Под ним из камня столб - подставкой служит он...»
Жорж де Скюдери, "Аларих, или побежденный Рим" 1654
В эпоху барокко реальный мир воспринимался как иллюзия, сон. Реалистические описания часто сочетались с их аллегорическим изображением.
Стиль барокко нашел свое выражение и в литературе. И если архитектура, скульптура и живопись стремились к единению, то и в литературе можно наблюдать аналогичные явления: лирика стремится к монументальности, величественности. В то же время для нее характерна детализация, орнаментика.
Для литературы барокко характерны стремление к разнообразию, к суммированию знаний о мире, всеохватность, энциклопедизм, который иногда оборачивается хаотичностью и коллекционированием курьёзов, стремление к исследованию бытия в его контрастах (дух и плоть, мрак и свет, время и вечность).
Широко используются символы, метафоры, театральные приёмы, графические изображения (строки стихов образуют рисунок), насыщенность риторическими фигурами, антитезами, параллелизмами, градациями.
К стилю барокко можно отнести и позднее творчество Мильтона, его поэмы на библейские сюжеты: "Потерянный рай", "Возвращение в рай", "Самсон-борец".
Для его творчества характерно: масштабность поэмы; сочетание чувственной, материальной стихии с высокой духовностью; рельефные образы; нагромождение деталей; господство идеи о двойственности и противоречивости жизни, борьбе добра и зла.
Научные свершения XVII в. изменили картину мира, вскрыв трагическую глубину вселенной, человеческой души, судьбы человека. Они способствовали изменению общей атмосферы духовной и интеллектуальной жизни. Культурный человек того времени видел, как неустойчива быстротекущая жизнь, как летят "минуты, что подтачивают дни, дни, что грызут и пожирают годы" (Луис Гонгора). Чувство безграничности мира, трагической незащищенности человека, несопоставимости малой, бренной, страдающей песчинки человеческой жизни и неизменной, холодной, бесконечной бездны космоса - таковы духовные открытия барокко.
Отрылась бездна, звезд полна,
Звездам числа нет, бездне дна.
М. Ломоносов
Барокко задает вопросы, обращенные к небу, к человечеству, в никуда (риторический вопрос - излюбленная фигура барочной риторики):
Кто ты, о человек? Сосуд свирепой боли,
Арена всех скорбей, превратностей поток,
Фортуны легкий мяч, болотный огонек,
Снег, тающий весной, мерцанье свеч не боле...
Грифиус
В искусстве барокко сосуществовали несовместимые друг с другом противоположности, создавая своеобразную гармонию. А торжественная выразительность искусства барокко была соткана из контрастов.
Перед нами барочная картина мира:
Игралище времен, непостоянный род,
На сцене бытия в преддверии утраты
Тот вознесен, тот пал, тому нужны палаты,
Тому - дырявый кров, кто царствует, кто ткет.
Вчерашнее ушло, минутный счастья взлет
Сметает новый день и завтра в бездну канет,
Зеленая листва поблекнет и увянет,
И острие меча на нежный шелк падет.
Грифиус
Литературу барокко создавали многие другие знаменитые авторы.
В их числе называют обычно итальянского поэта Т. Тассо, испанского драматурга Т. де Молина и П. Кальдерона (в пьесе "Жизнь есть сон" - герой понимает, что злую судьбу не победить местью, что главная победа в жизни - победа над самим собой, а не над другим; что остаток дней пролетит, как сон. И пробудившись в иной жизни, придется за все держать ответ), англичан Дж. Мильтона и Дж. Беньяна. Барочные черты исследователи находят и у Сервантеса, и в поздних произведениях У. Шекспира.
Каковы же характерные особенности литературы барокко?
1) противопоставление жизни и смерти; 2) контрастность; 3) риторические вопросы; 4) чувство безграничности мира, трагической незащищенности человека; 5) образ изменчивости и непостоянства человеческой жизни.
Музыкальная культура барокко. Общая характеристика
Выступления поисковых групп «Композиторы эпохи барокко»
Клаудио Монтеверди. Георг Фридрих Гендель. Иоганн Себастьян Бах. Антонио Вивальди.
Художник и искусствовед И.Э.Грабарь утверждал: «Высокий Ренессанс уже на три четверти барокко».
В разных странах барокко в архитектуре проявлялось по-разному.
Но характерные черты и признаки можно обнаружить повсеместно:
• сложные криволинейные планы;
• мощная пластика стен;
• создание синтеза искусств, объединенных общим замыслом и стилем;
• создание величественных архитектурных ансамблей в городах и дворцово-парковых - в загородных резиденциях;
• обилие золота, деревянной и каменной резьбы, пышных декоративных деталей и скульптур;
• богатая игра цвета и света.
Это стиль, основанный на применении классических ордерных форм, приведенных в состояние
П.П. Муратов: «...Барокко не только архитектурный стиль, даже не только новый принцип в искусстве. Это целая эпоха в истории нравов, понятий и отношений, феномен не только эстетический, но и психологический. У барокко были не только свои церкви и дворцы, у него были свои люди, своя жизнь».
Устный анализ архитектурных ансамблей эпохи барокко:
• Ансамбль Смольного. Архитектор Ф.Б. Растрелли.
• Церковь Св. Петра и Павла. Архитектор Д.Тревано.
• Церковь Покрова в Филях. 1693-1694 гг. Москва.
• Церковь Троицы в Никитниках. 1631-1634гг. Москва.
• Самые крупные ансамбли барокко в мире: Версаль (Франция) Петергоф (Россия) Аранхуэс (Испания) Цвингер (Германия)


Сделайте конспект текста в тетради.

Домашнее задание на 10 марта. 

Учебник урок 9 и 10. Урок 10 - конспект в тетради.

Домашнее задание на 3 марта. 

Сервантес "Дон Кихот" - читать. Письменно в тетради небольшое эссе: "Как вам кажется, почему это произведение бессмертно?"

Домашнее задание на 17 февраля. 

1. Найти отражение "Ромео и Джульетты" во всех видах искусства и вокруг нас. Письменно в тетради небольшое эссе: "Как вам кажется, почему это произведение бессмертно?"

2. Выписать в тетрадь любой сонет Шекспира. Написать небольшое эссе почему именно этот сонет вам понравился. Выучить наизусть.


3. СОЧИНИТЬ СОНЕТ. 

Сонет  -
(итал. sonetto, окс. sonet)
твёрдая поэтическая форма: стихотворение из 14 строк, образующих
2 четверостишия-катрена 
и 2 трёхстишия-терцета 

Основные структурные признаки классического сонета: Количество строк - 14;
Количество строф - 4
(2 катрена, 2 терцета);
Повторяемость рифм;

Внутренняя композиция сонета:

1 катрен - экспозиция, в нем утверждается основная тема стихотворения.
2 катрен - развитие темы, высказанной в первом катрене.
1 терцет - намечается развязка.
2 терцет - быстрое завершение развязки.
Сонетный замок - заключительная строчка сонета, самая сильная по мысли и образности.

 

4. НЕ ЗАБУДЬТЕ ПРИНЕСТИ ИЛЛЮСТРАЦИИ К ПРОЛОГУ "РОМЕО И ДЖУЛЬЕТТЫ"!!!



Домашнее задание на 3 февраля. 

1. Прочитать трагедию Уильяма Шекспира «Ромео и Джульетта».

2. Каждому из учеников розданы фрагмент из текста "пролога" к "Ромео и Джульетте".

На листе А4 сделать свою иллюстрацию к вашему тексту. 

Тем, кому не досталось слов - на листе А4 рисуют персонажей трагедии. 

 

Домашнее задание на 27 января. 

Быть или не быть? 

Что это значит? Как бы вы ответили на гамлетовский вопрос? Меняется ли ответ во времени, для принца датского и для вас лично? Ответ письменно в тетради. 

Домашнее задание на 20 января. 

Подготовить рассказ об одном из персонажей комедии дель арте.

ПРИМЕРНЫЙ ПЛАН РАССКАЗА О ГЕРОЕ

Характер
Происхождение
Костюм
Маска
Позы и движения
Речь
Лацци
Роль в истории театра

Задание на каникулы:

ЧИТАТЬ:

Шекспир "Ромео и Джульетта". Сравнить переводы Щепкиной -Куперник, Екатерины Савич, Бориса Пастернака. 

Посмотреть фильм Ф. Дзефирелли "Ромео и Джульетта". Посмотреть балет "Ромео и Джульетта" С. Прокофьева. 

ЧИТАТЬ:

Шекспир "Гамлет" Посмотреть экранизации 1948, 1964 (СССР), 1990 годов. 

Монолог "быть или не быть" - наизусть.

ЧИТАТЬ:

Сервантес "Дон Кихот"


Домашнее задание на 16 декабря.

Создать "АРЧИМБОЛЬДИЗМ". Техника любая. Формат А3 или А4.

Домашнее задание на 7 декабря.

Учебник, урок 8, стр 52-57, стр. 57 вопрос 3 - письменно.


Домашнее задание на 23 ноября.

1. Сделать поэтический перевод гимна с картины Гольбейна "Послы"

Kom heiliger geyst herregot
Erfüll mit deiner gnaden gut
Deiner gleubgen hertz, mut und sin
Dein brünstig lib entzünd in ihn
O herr durch deines liechtes glast
Zu dem glauben versamlet hast
Das volck aller welt zungen
Des sey dir Her zu lob gesungen.

2. Подобрать музыку к любой картине Питера Брейгеля Старшего. 
Принести на электронном носителе или прислать по почте учителю. ethnv@yandex.ru

 


 

Домашнее задание на 18 ноября.

1. На отдельном листочке составить кроссворд по художникам Северного Возрождения. 

1. Знать биографию и основные работы Рафаэля. 

2. Написать отзыв о выставке: "Рафаэль. Поэзия образа"

Рафаэль Санти


С творчеством Рафаэля (1483-1520) в истории мирового искусства связывается представление о возвышенной красоте и гармонии. Принято считать, что в созвездии гениальных мастеров Высокого Возрождения, в котором Леонардо олицетворял интеллект, а Микеланджело - мощь, именно Рафаэль был главным носителем гармонии.
Рафаэль Санти родился 28 марта 1483 года в городке Урбино, столице небольшого герцогства. Отец Рафаэля - Джованни Санти, придворный художник урбинского герцога, мецената Гвидубальдо Монтефельтро, был первым учителем своего сына. В восемь лет Рафаэль потерял мать, в одиннадцать - отца, и заботы о нем взяла на себя жена герцога Елизавета Гонзага. В 1500 году Рафаэль отправился в Перуджу и поступил в мастерскую Пьетро Перуджино, ведущего мастера умбрийской живописной школы. Лиричное искусство Перуджино оказало значительное влияние на весь ранний период творчества Рафаэля. В 1504 году Рафаэль приехал во Флоренцию, где перед ним открылись широкие возможности приобщиться к лучшим образцам флорентийского Ренессанса. Уже была написана «Джоконда» Леонардо, а «Давид» Микеланджело стоял на площади Синьории. В 1508 году папа Юлий II вызвал Рафаэля в Рим и одновременно с другими художниками поручил ему роспись «станц» - парадных залов Ватиканского дворца. С 1509 по 1517 года Рафаэлем были расписаны три зала, лучший из них Зал печати - Станца делла Сеньятура. Каждую из четырех стен этого зала занимает огромная фреска: «Поэзия», «Богословие», «Правосудие», и «Философия» («Афинская школа»). Фреска «Афинская школа» изображает не реальную группу афинян -здесь находятся не только афиняне (к примеру, философы Парменид и его ученик Зенон не были гражданами Афин) и даже не только современники, но также мыслители, жившие в другое время и в других странах (например, персидский философ-мистик Зороастр, живший за несколько веков до Платона, или мусульманский переводчик и комментатор Аристотеля Аверроэс, живший на много веков позже). Таким образом «Афинская школа» представляет идеальное сообщество мыслителей классической эпохи, сообщество учителей и учеников. Однако изображая этих выдающихся людей прошлого, Рафаэль придает им черты своих выдающихся современников. Всего на фреске представлено свыше 50 фигур (многие из них не поддаются аттрибутации, насчет некоторых нет единой точки зрения).

Рафаэля называли Мастером Мадонн, которые несли настроение душевной чистоты.
«Сикстинская Мадонна» (1515-1519) - образ совершенной красоты. Эта большая алтарная картина изображает не просто Божественную Мать с Божественным Младенцем, а чудо явления Небесной Царицы, несущей людям своего Сына как искупительную жертву. Впервые в творчестве Рафаэля религиозный образ устанавливает полный контакт со зрителем.
В 1514 году папа Лев Х поставил Рафаэля во главе строительства величайшего в мире купольного храма - собора св. Петра. Рафаэль должен был изменить проект и продолжить строительство. «Но в мечтах своих, -писал Рафаэль, - я думаю о большем! Я желал бы воскресить чудные формы античных сооружений...» Он мечтал о «воскрешении древнего Рима» - титаническом предприятии, достойном художника Возрождения. По раскопкам, обмерам и книгам древнеримского архитектора Витрувия Рафаэль хотел воссоздать облик «вечного города», составить его описание и сделать большую картину.
В 1520 году 6 апреля смерть прервала эту работу художника. Он умер в возрасте 37 лет, оставив после себя великие творения, которыми вот уже несколько веков Его похоронили в одном из красивейших зданий Рима - в Пантеоне, который стал усыпальницей великих людей Италии.
Рафаэль был замечательным мастером рисунка. Само имя Рафаэля - Божественного Санцио - в дальнейшем стало олицетворением идеального, наделенного божественным даром художника.

 

 

Домашнее задание на 14 октября.

Эссе в тетради, объем не менее двух страниц: 

«Несет ли искусство добро, изображая зло на примере картин Иеронима Босха?»

Внимание, дорогие гимназисты!

Четвертные отметки по предмету МХК будут выставляться 21 октября.

Домашнее задание на 14 октября.

Учебник МХК Л.Г. Емохонова. Урок 7. Страница 48-52
Вопросы и задания на стр. 52 - письменно в тетради.

Домашнее задание на 7 октября.

Автопортрет в манере Дюрера.


АЛЬБРЕХТ ДЮРЕР(1471-1528)
Дюрер был первым немецким художником, кто стал работать одновременно в обоих видах гравюры - на дереве и на меди. Необычайной выразительности он достиг в гравюре на дереве, реформировав традиционную манеру работы и использовав приёмы работы, сложившиеся в гравюре на металле. В конце 90-х гг. Дюрер создал ряд превосходных ксилографий, в том числе один из своих шедевров - серию гравюр на дереве «Апокалипсис»

Изобразив себя в строго фронтальной позе, Дюрер использовал композиционную схему, которую средневековые художники применяли для образа Христа. Для него это имело особый смысл: человек, по мысли автора, должен напоминать Спасителя не только внешним обликом, но и в переносном, высшем смысле - готовностью брать на себя и нести «крест», возлагаемый на него в земной жизни. Не горделивая спесь, но глубоко религиозное сознание проступает в этом «уравнивании» себя с Христом: свой несравненный художнический дар Дюрер (почти достигший порога тридцатилетия) воспринимает как милость Бога и свою ответную обязанность перед Творцом, наделившим его высочайшей способностью «творить мир» заново - кистью и резцом.
Основные произведения: «Поклонение волхвов» 1504 -сочетание традиций немецкой культуры и элементов итальянской живописи;
«Адам и Ева»1507, Первая в Германии попытка изучать анатомию человека, дюреровский идеал красоты
«Четыре апостола» 1526, По-другому эту картину называют «Четыре темперамента»:
«Заяц» (1502; 25х23 см; Вена, графическое собрание Альбертина)
«Христос как человек печалей» (1493; 30х19 см; Карлсруэ, Государственный музей)
«Святая Анна с девой и младенцем» (1519; 60х50 см; Нью-Йорк, музей Метрополитэн),
«Меланхолия» (1514; 24х19 см)
«Четыре всадника Апокалипсиса» (1498; 39х28 см; гравюра)

Ксилография
(греч. ξύλον - дерево и γράφω - пишу, рисую) - гравюра на дереве, основная и древнейшая техника гравюры.

Домашнее задание на 30 сентября.

1. Прочитать текст, сделать конспект, быть готовым к опросу.

2. Сделать копию/свой вариант "Портрета четы Арнольфини". В любой технике, в любом виде искусства. 

 Cеверное Возрождение
Новая культура стран, расположенных к северу и западу от Альп (Франция, Нидерланды, германоязычные земли), совокупно именуется Северным Возрождением.
Cеверное Возрождение - термин, использующийся для описания эпохи Возрождения в северной Европе, или более обобщающе - во всей Европе за пределами Италии, к северу от Альп. В каждой стране оно имело определённые специфические черты. Так, культурология разделяет Немецкое, Нидерландское, Французское, Испанское, Английское Возрождение и др. В основе Возрождения лежат идеи гуманизма. Северное Возрождение тесно связано с итальянским Возрождением, но имеется ряд характерных отличий.
• Искусство Северного Возрождения развивалось в Нидерландах, Германии, Франции, Англии (на севере от Италии). В этих странах ренессансная художественная культура сложилась позднее, чем в Италии. В ХV веке в Европейском готическом искусстве появляются новые черты, характерные для культуры Ренессанса: интерес к реальной жизни, человеку, природе и её явлениям.

Северное Возрождение тесно связано с итальянским Возрождением, но имеется ряд характерных отличий.
Особенности Северного Возрождения:

• опора не только на античность, но и на местную традиционную культуру, на народный фольклор;
• архитектура теряет ведущее значение;
• любовь к символизму;
• ренессансные черты наиболее ярко проявились в Нидерландах - в алтарной живописи,
• во Франции - в замковой архитектуре,
• в Германии - в гравюре,
• в Англии - в миниатюрном портрете.


Отличительные черты:
- Связь с протестантизмом
- Основные произведения - алтари
- Приверженность поздней готике
- Лаконизм, аскетизм
- Большое развитие получила книжная графика, гравюра
- Художники одновременно живописцы и гравёры
- меньшее внимание к изучению анатомии и античного наследия,
- тщательная и детализированная техника письма.

На рубеже ХV - ХVI веков работают выдающиеся мастера немецкого Возрождения
Альбрехт Дюрер, Матиас Грюнвальд, Лукас Кранах Старший, Ганс Гольбейн Младший

Ян ван Эйк (род. ок. 1390 г. - ум. в 1441 г.)


Человек - не вершина творения, а всего лишь одно из свидетельств могущества Творца. Небо и земля, растения и животные, сам человек и созданное руками его - все заслуживает благоговейного внимания. И это ощущение божественной драгоценности повседневного бытия, живущее в творчестве Яна ван Эйка, послужило во многом исходным пунктом развития реализма в истории европейской живописи.
Дату рождения художника относится к первой половине 1390-х гг.; родиной же его традиционно считают город Маасэйк в нидерландской провинции Лимбург. Первыми уроками мастерства, опять-таки предположительно, Ян был обязан своему старшему брату Губерту.
К 1422 г., когда имя ван Эйка впервые упоминается в документах, это был уже известный живописец, состоящий на службе у Иоанна Баварского, графа Голландии, Зeландии и Геннегау, двор которого располагался в Гааге.

После смерти Иоанна Баварского мастер, пользующийся громкой славой, покинул Голландию и обосновался во Фландрии. Весной 1425 г. в Брюгге он был принят на службу к Филиппу Доброму, герцогу Бургундскому, «со всеми почестями, преимуществами, свободами, правами и выгодами». В том же году художник переехал в Лилль.
По роду своей службы или, может, ввиду особого доверия, Ван Эйк дважды направлялся могущественным правителем в «некое секретное путешествие». В 1427 г. он отбыл в Испанию и затем в Португалию вместе с послами Филиппа, задачей которых было договориться о заключении брака между вдовцом-герцогом и португальской принцессой Изабеллой.
Исполняя возложенную на него миссию, художник написал два портрета невесты и отослал своему господину вместе с проектом брачного договора. В начале 1430 г. Ван Эйк благополучно вернулся во Фландрию со свадебным кортежем.

Новые возможности масляной живописи помогли братьям Ван Эйк сотворить Гентский алтарь - один из величайших живописных памятников Европы XV в. Работа над ним была начата, видимо, около 1422 г. Губертом, а после его смерти в 1426 г. продолжена младшим братом.
История написания и судьба Гентского алтаря, как и всякого шедевра, полна загадок и драматических событий. Прежде всего, исследователям не дает покоя вопрос об авторах произведения. Надпись на его раме о том, что работу «начал художник Губерт ван Эйк, выше которого нет», а закончил его брат Ян, «в искусстве второй», была сделана только в XVI в. и особого доверия не вызывает.

Существует предположение, что слово «художник» следует читать как «скульптор» и относится оно к резчику, выполнившему обрамление, в связи с чем родилась смелая гипотеза К. Волля и Э. Рендерса: а был ли Губерт? Или это лишь легенда, выдуманная, чтобы отдать главную роль в создании алтаря жителю Гента? Однако что тогда делать с архивными свидетельствами о жизни и смерти Губерта ван Эйка?
При всем многообразии точек зрения на роль каждого из братьев в создании Гентского алтаря ни одна из них не кажется достаточно убедительной. Во всяком случае, большая часть работы была выполнена много лет спустя после кончины старшего брата.

Гентский алтарь уникален. Он представляет собой грандиозный многоярусный полиптих, достигающий в центральной части трех с половиной метров в высоту и пяти метров в ширину в раскрытом виде. Даже если бы Ян ван Эйк в своей жизни больше ничего не создал, он все равно вошел бы в историю как aвтop Гентского алтаря. В 1432 г. работа была закончена, и складень занял предназначенное для него место в церкви Св. Иоанна-Крестителя (ныне собор Св. Бавона).
Период высшей творческой зрелости Яна ван Эйка пришелся на 1430-е гг. К этому времени художник переехал из Лилля в Брюгге, купил дом «с каменным фасадом», а вскоре женился. В 1434 г. герцог Филипп III стал крестным отцом первого из десяти детей Яна и, в связи с рождением сына, преподнес ему в подарок шесть серебряных чаш.
Портрет четы Арнольфини (1434 г.), считающийся первым в истории европейской живописи парным портретом, - еще один бесспорный шедевр Ван Эйка.
Итальянский купец изображен держащим за руку свою молодую жену в момент торжественной супружеской клятвы в присутствии двух свидетелей, чьи отражения видны в висящем на стене круглом зеркале - символе всевидящего Божьего ока.
Надпись на стене «Ян ван Эйк был здесь» позволяет думать, что художник-присутствовал при этом старом нидерландском обычае обручения в домашней обстановке. Обряд совершается в святая святых бюргерского дома-спальне, где все вещи имеют затаенный смысл, намекая на священность супружеского обета и семейного очага. В основе всех изображений ван Эйка лежит рисунок, часто сделанный с натуры. Ярким примером графического мастерства художника служит «Св. Варвара» - предмет долгих споров ученых, не пришедших к единому мнению, является ли это произведение законченным рисунком или ненаписанной картиной. Серебристый рисунок сделан тончайшей кистью по загрунтованной доске, вставленной в авторскую раму с надписью: «Иоанн ван Эйк меня сделал в 1437 году».

Художник скончался 9 июля 1441 г. в Брюгге, городе, ставшем для него родным, и был похоронен «в ограде» церкви Святого Донациана. Лишь через год родственникам удалось перезахоронить его тело, уже внутри церкви, около купели.

Ян ван Эйк был одним из величайших гениев, чье творчество, исполненное огромной духовной силы и глубины идей, стало источником для развития искусства Нидерландов и других стран Европы. В своеобразном девизе Ван Эйка «Как умею» слились смирение и достоинство, присущие как самому художнику, так и всему его творчеству.

Домашнее задание на 23 сентября.

Прочитать и сделать краткий конспект в тетради статьи http://www.vokrugsveta.ru/vs/article/5968/.

Сайт Гентского алтаря - http://closertovaneyck.kikirpa.be/#viewer/id1=33&id2=0

Домашнее задание на 16 сентября.

Выписать в тетрадь и выучить художников Венецианского возрождения.

Знать основные их произведения.

Письменно в тетради эссе:

"Чем, на Ваш взгляд, отличается живопись Тинторетто от живописи Джорджоне, Тициана от Веронезе".

Домашнее задание на 9 сентября.

1. Прочитать текст и ответить на вопросы.

Мастера венецианской живописи


Важнейшим направлением Позднего Возрождения стало ис­кусство живописи, наглядно отразившее гуманистические иде­алы эпохи. Теперь художников интересовал не только человек, но и его окружение, мир природы, прославляющий извечные ра­дости бытия. Живопись, основанная на чувственном восприятии мира, поражала буйством красок, стихией чувств и эмоций. Кар­тины венецианских художников, воспринимавшиеся как пирше­ство для глаз, украшали величественные храмы и парадные двор­цы дожей, подчеркивая богатство и роскошь интерьеров. Если флорентийская школа живописи отдавала предпочтение рисунку и выразительной пластике, то для венецианской основой являлись насыщенный цвет, многокрасочность, градация светотеневых переходов, богатство живописных решений и их гармония. Если для флорентийского искусства идеалом красоты были изваяния Давида, то венецианская живопись выразила свой идеал в образах возлежащих Венер - античных богинь любви и красоты.


Творчество Беллини и Джорджоне


Основоположником венецианской школы живописи по праву считается Джованни Беллини (ок. 1430-1516), стиль которого отличают утонченное благородство и сияющий колорит. Он создал множество картин с изображением мадонн, простых, серьезных, немного задумчивых и всегда печальных. Ему принадлежит ряд портретов современников - именитых граждан Венеции. Например, портрет дожа Леонардо Лоредано.
У Беллини было немало учеников, которым он щедро передавал свой богатый творческий опыт. Среди них особо выделялись два художника -Джорджоне и Тициан.
В картинах Джорджоне мы видим мечты художника о красоте и счастье безмятежной жизни на лоне природы. В героях, погруженных в свой внутренний мир, он ищет гармонию чувств и поступков. Многие исследователи справедливо подчеркивают особую поэтичность, музыкальность и красочность его живописных полотен. Картины художника удивительно мелодичны, они насыщены фантастическим каскадом цветов самых различных тонов и оттенков. «Дымчатость» (сфумато) его живописи, позволившая передать эффект световоздушного пространства, избежать жесткости контуров, вызывает неподдельный интерес к изучению его творческой манеры. Прославленные картины «Гроза», «Сельский концерт», «Юдифь», «Три философа», «Спящая Венера» пленяют элегичностью настроения и светлой поэтичностью образов. Большинство произведений художника, лишенные ярко выраженного сюжета, сосредоточенные на интимном мире переживаний человека, рождают множество ассоциаций и лирических размышлений. Мир природы отражает душевное состояние человека, наполняет жизнь гармонией и ощущением радости бытия.
Подлинным шедевром творчества Джорджоне является «Спящая Венера» - один из самых совершенных женских образов эпохи Возрождения.
Впервые художником была найдена не имеющая живописных прототипов безупречная форма лежащей античной богини любви и красоты Венеры. Она безмятежно спит посреди холмистого луга на темно-красном покрывале. Особую возвышенность и целомудрие этому образу придает картина природы. За спиной Венеры, на горизонте, - просторное небо с белыми облаками, невысокая гряда голубых гор, пологая тропа, ведущая на поросший растительностью холм. Отвесная скала, причудливый профиль холма, вторящий очертаниям фигуры богини, группа кажущихся необитаемыми строений, травы и цветы на лугу тщательно выполнены художником. Глядя на эту картину, хочется повторить вслед за А. С. Пушкиным:
Все в ней гармония, все диво,
Все выше мира и страстей.
Она покоится стыдливо
В красе торжественной своей.
Под впечатлением от «Спящей Венеры» Джорджоне художники разных поколений - Тициан и Дюрер, Пуссен и Веласкес, Рембрандт и Рубенс, Гоген и Мане - создали свои произведения на этот сюжет.

Художественный мир Тициана
Испанский художник XVII в. Диего Веласкес писал:
«В Венеции - все совершенство красоты! Я отдаю первое место живописи, знаменосцем которой является Тициан».
Тициан прожил долгую (почти век!) жизнь (1477-1576) и завоевал всемирную славу наравне с другими титанами Высокого Возрождения. Его современниками были Колумб и Коперник, Шекспир и Джордано Бруно. В девять лет он был отдан в мастерскую мозаичиста, учился в Венеции у Беллини, позднее стал помощником Джорджоне. Обширно творческое наследие художника, обладавшего кипучим темпераментом и удивительным трудолюбием. Работая в самых различных жанрах, он сумел выразить дух и настроение своей эпохи.
Каким был Тициан? Посмотрите на его автопортрет, выполненный им в преклонном возрасте. Мы видим пожилого человека с крупными мужественными чертами лица. Он чуть ссутулился под тяжестью одежды. Узкая полоска воротника врезается в пышную серебристую бороду. Черная шапочка подчеркивает напряженность выразительного профиля. Пальцы правой руки сжимают хрупкую кисть. Несомненно, перед нами деятельная, творческая натура, полная жажды жизни. Художник подался вперед, как будто вглядываясь в лицо собеседника. Величав и спокоен проницательный взгляд человека, умудренного жизненным опытом. Черное одеяние богато и изысканно, оно гармонично сочетается с серебристой гаммой общего колорита.
В историю мировой живописи Тициан вошел как непревзойденный мастер колорита. Один из современных критиков писал:
«В колорите он не имеет себе равных... он идет в ногу с самой природой. В его картинах цвет соперничает и играет с тенями, как это происходит в самой 
***
Вторая половина XVI в. стала переломной в развитии итальянского искусства Возрождения. Гуманизм - важнейшее завоевание эпохи - начал приобретать явно трагический характер. В обществе, как отмечал искусствовед А. А. Аникст,
«исчезает уверенность в близком и неизбежном торжестве положительных начал жизни. Обостряется ощущение ее трагических противоречий. Прежняя вера уступает место скепсису. Сами гуманисты уже не доверяют разуму как благой силе, способной обновить жизнь. У них возникает и сомнение относительно природы человека - действительно ли добрые начала главенствуют в ней».
Эти перемены не могли не отразиться и на развитии искусства. Трагический гуманизм Возрождения открыл путь новым стилям в художественном творчестве, и прежде всего маньеризму и барокко. Маньеризм (итал. manierismo - вычурный) возник в середине XVI в. в недрах итальянского Возрождения и в дальнейшем получил распространение по всей Европе. Венецианские художники употребляли это слово в значении «новая прекрасная манера», стремясь тем самым разграничить старые и новые приемы художественного творчества.
Для произведений маньеризма характерны напряженность, вычурность, чрезмерная экзальтация образов, оказавшихся во власти сверхъестественных сил, отказ от изображения реального мира и уход в мир фантастический, потусторонний, полный тревоги, сомнений и беспокойства, преобладание физического над духовным, обилие внешних эффектов и погоня за «красивостью». Изломанность, «змеевидность» контурных линий, световые и цветовые контрасты, неожиданное сопоставление больших и малых планов, нагромождение обнаженных тел, непривычное для глаза удлинение фигур или, напротив, явное уменьшение деталей, неустойчивость и сложность поз - вот что отличало художественные произведения маньеризма. Такова знаменитая картина итальянского художника Пармиджанино (1503-1540) «Мадонна с длинной шеей».
Маньеризм охватывал различные виды художественного творчества - архитектуру, живопись, скульптуру и декоративно-прикладное искусство. Внешне следуя мастерам Возрождения, маньеристы разрушали присущую их искусству гармонию, уравновешенность образов. Поздний маньеризм становится исключительно придворно-аристократическим искусством. Отражая кризис искусства Ренессанса, маньеризм уступал дорогу новому стилю - барокко.

ПИСЬМЕННО В ТЕТРАДИ ОТВЕТИТЬ НА ВОПРОСЫ:

1. Каковы характерные черты венецианской живописи конца XV - первой половины XVI в.? 

2. Согласны ли вы с мнением исследователей, что венецианская живопись являет собой «пиршество для глаз»?

3. Почему Венеция стала культурным центром итальянского Возрождения?

 

2. Нарисовать (аппликация, коллаж, графика) ВЕДУТУ -  венецианский пейзаж.

Создание сайта: Pavrona © Православная классическая гимназия "Радонеж", 2000-2017.
При использовании материалов обязательна ссылка на сайт гимназии: www.gymnasia-radonezh.ru
117574, Москва, пр-д Одоевского, 13
Тел./факс: (495) 423-51-22
Orthodox Christianity.ru